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¿Pintura o no Pintura? (inicio):
El éfecto Glocal: Algunas tendencias globales en la pintura desde un contexto local.
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Portada del catálogo original de la exposición Tiempos Intensos, Tiempos Dificiles, en ella se ve a Lynda Benglis vertiendo látex coloreado sobre el piso, proyecto encargado por la Universidad de Rhode Island, Kingston, en 1969.
El arte contemporáneo desde hace más de medio siglo ha tenido una extraordinaria ampliación de sus recursos, tanto como para llegar a incluir practicamente cualquier cosa, como una caja vacia de zapatos o incluso los propios excrementos del artista, desde comer cebollas hasta reventar o inclusive alejarse del mundo del arte por quince años y considerar semejante experiencia una expresión artística; es más, ha sido tal la expansión, que hasta la antigua tradición de pintar en un lienzo puede llegar a ser parte de los recursos del arte actual; a pesar de ésta aparente polarización, la pintura no ha sido ajena a ésta tremenda transformación del arte, que ya tiene visos históricos, tal y como lo confirma el siguiente ejemplo: Del 24 de mayo al 9 de septiembre del 2007 pudo verse en el Museo Rufino Tamayo de la Ciudad de México, la exposición Tiempos Intensos, Tiempos Dificiles, Pintura en Nueva York, 1967-1975, (High Times, Hard Times: New York Painting 1967-1975) exhibición itinerante que fue una intensa revisión del complejo proceso en el que la pintura se nutrió del nuevo espíritu artístico sugido en los años sesenta; ésta muestra curada por Katy Siegel y asesorada por David Reed para ICI (Independient Curators International), da cuenta de como la pintura de esa época comenzó a utilizar soportes distintos del bastidor o lienzo, además de que se experimentaba con técnicas ajenas a la pintura vinculadas a otras tradiciones, como el bordado o el tejido; el espectro de lo pictórico se expandió a tal grado que invadió los terrenos de la arquitectura, la escultura o los objetos cotidianos, incluyendo al propio cuerpo humano o tecnologías entonces emergentes como la fotografía, video o televisión; está exposición dio cuenta de la labor de 38 artistas, como Lynda Benglis, Jo Baer, Cesar Paternosto, Howadena Pindell, Richard Tuttle, Louise Fishman, Harmony Hammond, Yayoi Kusama, Blinky Palermo, Alan Shields, Jack Whitten, Ray Colmer, Mary Corse, Dorothea Rockburne o Mary Heilmann, entre otros; el proceder de estos artistas sentó las bases para que herramientas especificas derivadas del Minimalismo, el Arte Conceptual, Arte Povera, Arte Procesual, etc., se incorporaran con gran fluidez a las prácticas pictóricas más contemporáneas. La pintura hoy en día se mueve entre su renovación o su ciego autismo, entre la desesperada busqueda de los pintores por ser lo más actuales posible, y los estertores de una disciplina que en el fracaso de potenciar sus propios medios, dejó hace mucho tiempo de ser aguda y pertinente en relación a otras formas de arte, pero sobre todo respecto al entorno social y cultural contemporáneo; ¿Esto implica que está todo perdido? y que la pintura está tan muerta como el grabado, que ha sido rebasado por otras formas de reproducción serial; ¿La pintura tiene vida artificial gracias a la alcurnia que le da su poder y dinero, ya que es la reina del mercado?. Estos son algunos ejemplos de artistas en pleno activo con propuestas que tienen una profunda raíz histórica y cuyas indagaciones nos hacen reconsiderar la pertinencia de la pintura, y a su vez, las posibilidades y vigencia del arte contemporáneo: Gustavo Artigas despliega su versión de la retroalimentación entre la tradición pictórica y las herencias del Arte Conceptual; Yui Kugimiya, se une a una tradición donde no sólo el arte, sino especìficamente la pintura se manifiesta como un proceso; A través de un sólido discurso, Sandra Gamarra explora el vinculo entre el carácter objetual de la pintura y los diversos objetos y sentidos que legitiman histórica y comercialmente al arte; A partir de una formación y proceso inicial como pintor, Carlos Ranc asume con naturalidad su distanciamiento de la pintura. para indagar a través de una compleja y decantada exposición, hallazgos quasi arqueológicos entorno a la masificación de la imagen, estableciendo para ello un parangón entre pornografía y comunicación. Estos son los análisis:
Carlos Ranc, The Luxury of Self Employment, Galería Nina Menocal.
En sus inicios, la propuesta de Carlos Ranc exploraba los inaprensibles limites conceptuales, físicos y visuales de la representación; su herramienta principal fue la tensión entre pintura y fotografía, desdibujando los limites entre estas disciplinas, así como entre el proceso manual y el mecánico, derrumbando la oposición entre copia y original; para tal fin, Ranc recurrió entonces a la tradición de la pintura de bodegones, pero subvirtiéndola y llevando al paroxismo la escenificación visual, donde el modelo mismo era el colmo del simulacro: frutas de plástico que ocasionalmente alternó con reales; pero ésta extrema diseminación de la representación, surgió no sólo cuando las hiperrealistas pinturas se confundían con las fotos, como en el ejemplo de aquí abajo, sino sobre todo, por qué era imposible saber cuando las pinturas se basaban en fotografías o cuando las composiciones de las fotos provenían de las concebidas en obras pictóricas previas, o más aun, algunas impresiones fotográficas tomaban incluso como modelo no a las frutas artificiales, sino a las propias pinturas donde aparecían las frutas plásticas descritas hiperealmente; éste sutil y desconcertante proceso de simulacro donde se derrumban los limites entre original y copia y que emparenta directamente al trabajo de Carlos Ranc con el Pictures Group impulsado por Douglas Crimp, es antecedente fundamental de lo que pudo verse en The Luxury of Self Employment, donde el desplazamiento del significado y la simulación, adquieren un sentido más amplio y diverso.
Aquí abajo puede verse una de las piezas tomada del catálogo de la exposición, Natura Muerta, efectuada en la Galería de la entonces Secretaría de Hacienda y Crédito Público del 18 de noviembre de 1999 al 30 de enero del año 2000; de entre la treintena de piezas que se pudieron ver entonces, se encontraba la siguiente, Sin Titulo, 1999, políptico de 80 x 250 centímetros formado por una impresión Ra4 montada sobre madera, composición fotográfica de un bodegón con frutas plásticas, el cual se complementa con tres pinturas al óleo sobre tela que describen fragmentos de la propia foto.
En la medida en que ha madurado su discurso, Carlos Ranc incluso ha optado por practicamente prescindir en el uso de la pintura; a tal grado ha sido el proceso de expansión de sus herramientas, que ha pasado de una perspectiva meramente visual, “retiniana”, hasta el procurar incluir y abarcar los procesos culturales, sociales y políticos que implican a los medios de comunicación y sus transformaciones; una estrategia temática y teórica decisiva fue adoptar el contrapunto entre imagen, pornografía y comunicación; no obstante, en el texto de prensa de la galería Nina Menocal, se da particular énfasis en la propuesta de éste artista a la tensión entre censura y autocensura, afirmando que “...la historia de la pornografía es la historia de su regulación, del establecimiento de límites para acceder a ella”; si bien, a lo largo de la muestra puede corroborarse ésta premisa, existe un transfondo más poderoso que impulsa a la búsqueda de éste artista, quien aun cuando hace referencia a la historia y efectos de la pornografía, más bien translada el peso y poder de lo explicito y obsceno hacia los excesos de la información a través de los medios tecnológicos y la manera en que estos afectan a la imagen y a la comunicación, cosa congruente con la utilización casi en su totalidad para ésta exposición de imagenes provenientes del internet; un agudo ensayo que sin duda puede ayudarnos a vislumbrar los alcances en la propuesta de Carlos Ranc, es El Extasis de la Comunicación de Jean Baudrillard, que apareció en la recopilación de escritos de diversos autores hecha por Hal Foster, The Anti-aesthetic: Essays on Postmodern Culture de 1983; el siguiente extracto de éste texto, es particularmente revelador del transfondo cultural que anima a los esfuerzos de Ranc y que se condensan en ésta exposición: Baudrillard plantea que las representaciones antes tenían una función simbólica que se materializaba a través del significado que tenían los objetos en los ritos de la vida diaria, los cuales funcionaban a manera de un “espejo” donde el individuo podía reflejarse y reconocerse: “...aquello que se proyectaba psicológica y mentalmente, lo que solía vivirse en la tierra como metáfora, como escena mental o metafórica, a partir de ahora es proyectado a la realidad, sin ninguna metafóra, en un espacio absoluto que es también el de la simulación.” ... “La obscenidad empieza cuando no hay más espectaculo, no más escena, cuando todo se vuelve transparente y visible de inmediato, cuando todo queda expuesto a la luz aspera e inexorable de la información y la comunicación. Ya no formamos parte del drama de la alienación; vivimos en el éxtasis de la comunicación, y éste extasis es obsceno; lo obsceno es lo que acaba con todo espejo, toda mirada, toda imagen; lo obsceno pone fin a toda representación; pero no es sólo lo sexual lo que se vuelve obsceno en la pornografía, hoy existe toda una pornografía de la información y la comunicación.”... según éste autor, los objetos se transforman en meras mercancías que ya no tienen ningún significado más allá de su valor de intercambio, "...Todas las funciones son abolidas en una sola dimensión, la de la comunicación; eso es el éxtasis de la comunicación; todos los secretos, espacios y escenas son abolidos en una sola dimensión de información; eso es obscenidad.”; ésta disfuncionalidad de los objetos atañe directamente a la pintura, a la cual antes se le adjudicaba un valor expresivo y simbólico, tradición que tenía una función innovadora y creaba conocimiento pertinente; actualmente, el grueso de lo que se pinta ha devenido en una mera mercancía con un único valor: el del intercambio. Es justo aquí que se puede empezar a desplegar el itinerario que conforma la compleja muestra de Carlos Ranc en la galería Nina Menocal y que inicia, precisamente, con una pintura:
El sentido del titulo, The Luxury of Self Employment, es revelado en el boletín de prensa: “...la exposición hace referencia a una acción de autoempleo en dos sentidos: como el acto creativo en sí y como la permisividad de la contemplación, uso y apropiación de imágenes pornográficas”; con éste perfil paralelo, el proceso de ésta exposición se despliega entre la arqueológia en tiempo real y la disección de ese organismo inaprensible y ubicuo que es la comunicación visual; de éste modo, es que Carlos comienza haciendo una arqueológia de su propio proceso: La pieza con la que nos recibe, como se ve en la primer fotografía aquí arriba a la izquierda, – y la cual es un anticipo de lo que el artista desarrollaría en años posteriores – es la copia de la pintura, El Origen del Mundo, 1995, óleo sobre tela y marco, 72.5 x 92 cm, replica de la pintura de Gustave Courbert, L'Origine du Monde, 1866; ésta pintura viene acompañada de una postal con la fotografía de la pieza original, sobre de ella tiene impresa una recopilación cronológica que da cuenta del sorprendente itenerario de la pintura, entre otras anecdotas, se menciona que fue oculta en 1868 por el propio Courbet detras de otro cuadro suyo de un paisaje, casi cien años después la pintura fue adquirida en 1955 por el influyente psicoanalista francés Jacques Lacan; 1967 fue el año de la primer publicación de una foto de la pintura; su primer exposición en un museo fue en 1988; el recorrido concluye con el retiro durante el 2009 por parte de la policia portuguesa de libros ilustrados en su portada con una foto de la pintura, imagen considerada pornográfica durante una feria de libros en Braga; enfrente de la copia y sobre una repisa, el artista dispuso la pieza, Estalagmitas, 1986-98, 26 x 26 x 46 cm, escultura hecha con natas de óleo desechadas durante el proceso de ejecución pictórica; la siguiente imagen, es de la obra, Voyeur, 2006-09 edición 1/2 + 1 AP, y la cual está conformada por seis columnas de 32.4 x 23.7 x 30.5 cm con 1000 impresiones en Offset cada una con imagenes de desnudos; la palabra Voyeur fue perforada usando un suaje en relación de una letra por cada pila; aun cuando uno no podía tomar una de las impresiones de acuerdo al procedimiento impuesto por el artista Felix Gonzalez-Torres en sus clásicas obras de edición, ésta pieza sugiere la tensión entre la literal reproducción industrial de las imagenes y su perdida de aura a través de la multiplicación de copias gracias a la reproducción en serie, tal y como lo propuso en sus pinturas Andy Warhol; la tercer foto es de la pieza, Gritos y Susurros, 2008-09, en ella un equipo de sonido descontextualiza gracias al cubo blanco de la galería el audio de invisibles peliculas pornografícas, enfatizando así la de por si hueca retorica de éstas producciones; a su lado se encuentra una recopilación fotostática ejecutada entre el 2006 y el 2009 de anuncios clasificados sobre prostitutas que ofrecen sus servicios, y las cuales aparecen agrupadas a través de simplistas criterios, como Blancas, Güeritas, Internacionales o Niñas Bien. Fotos: Eduardo Egea.
La primer imagen arriba a la izquierda, es un fotograma del video, Click Here, 2006-09, Ed. 1/3, 1''43 proyectada en loop, es una recopilación descontextualizada de textos aislados provenientes de páginas de internet pornográficas; la imagen central, es un detalle de Censored by Sale, 2005 Ed. 3 / 3 + 2AP impresión Lambda 110 x 110 cm, ésta pieza es una recopilación de aproximadamente 1600 imagenes pornográficas, "censurandolas", o más bien cancelandolas parcialmente con un punto a la manera de John Baldessari, pero a diferencia de éste artista, el proceso realizado por Ranc tuvo un resultado parcial y relativo, ya que las zonas explicitas de los cuerpos no eran cubiertas del todo con un censor un punto rojo, tal y como a final de cuentas funcionan los criterios acerca de lo que es permisible o no contemplar; la tercer foto es, Primera Dama, 2009, acrílico directo al muro e impresión Inkjet de tintas cromo; ésta pieza compuesta por dos secciones hace referencia a la utilización por parte de investigadores de la Universidad del Sur de California del poster central de la revista Playboy donde aparece la veinteañera Lena Sjööblom, playmate correspondiente a noviembre de 1972; por restricciones técnicas de la época, solo se escaneo el rostro y hasta los hombros de Lena para poder presentar un ejemplo en una conferencia sobre tecnología de la impresión en junio de 1973; la fotografía tenía los elementos de sombreado, contraste y definición adecuados para su conversión digital, tan eficaz modelo fue, que se convirtió en un estandard para realizar pruebas en la industria del procesamiento y compresión de imagenes; con el paso de los años, el desnudo de Lena ha sido empleado tan frecuentemente por los especialistas, que ahora es llamada la Primera Dama del Internet; esta pieza de Ranc gestablece una sugerente relación entre deseo e inventiva, entre progreso y bienestar, ya que como es sabido, la industria de la pornografía ha dado al internet desde sus inicios un importante impulso tecnológico y económico. Fotos: Eduardo Egea.
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Arriba a la izquierda se puede ver como se montó en una esquina el políptico, Sleeping Whit The Enemy, 2009, 1 / 3 + 2AP impresión Lambda 17 Piezas, medidas variables; ésta obra tiene la peculiaridad de que utiliza las famosas tipologías, técnica creada por Bern & Hilla Becher en la que se asocian imagenes distintas pero que hacen descripciones muy similares; especificamente, ésta pareja de fotografos alemanes comenzó ha realizar desde los años sesenta las tipologías para comparar grupos arquitectónicos de la arquitectura industrial de su país y que se encontraban en vias de desaparición, éste proceder de los Becher resulto un ejercicio entre documental y comparativo, entre arqueologico y formalmente innovador, ya que sus tipologías definieron el camino para mucha de la fotografía teutona heredera de la nueva objetividad; Ranc emplea la asociación de tipos fotográficos donde el grupo de mujeres retratadas juega con la ambigüedad de parecer dormidas, pero también de actuar simples poses para retratos, de estar inocentemente desnudas a simular un estado de relajamiento; la siguiente pieza es Learning Western Porn No. 11, 3, 6, 1, 2008, 1 / 5 + 1AP, impresión Inkjet (tintas cromo) sobre papel Fabriano 70 x 70 cm; en éste conjunto el artista se centra en retratos de mujeres asiaticas desnudas, de manera similar a como el rostro de la playmate Lena fue aislado de su cuerpo desnudo por investigadores en tecnología digital; está pieza también sugiere los éfectos "purificadores" e inertes de la censura. La fotografía de enmedio muestra un conjunto de textos, De la A a la Z, 2009, tinta china sobre 27 papeles enmarcados Sundance Smooth de 40 x 40 cm c /u, obra que es una recopilación en ingles de términos utilizados por la cultura pornográfica; aquí una vez más, Ranc aisla provocadores elementos y los clasifica, limpiandolos de cualquier connotación explicita, volviendo la mecanica de la autocensura un recurso similar a la atemporal pulcritud del espacio de exposición; otras piezas que se incluyen en la imagen son, Clausurado, (DIY)2009, edición 1-10 / 80 serigrafías 40 x 60 cm y Fix the Unfixed, 2004-09 1 / 2 + 1AP 80 diapositivas 35 cm, medidas variables; la finalidad de estas diapositivas es alternar palabras que hacen referencia sobre la representación de imagenes o recursos artísticos con fotografías de desnudos explicitos cubiertos parcial o casi totalmente con grandes planos de color (John Baldessari), creando una imagen entre familiar y desconcertante, entre legible y parcial, entre censurada y explícita; éste recuento parcial de lo visto en The Luxury of Self Employment, – algunas otras piezas no se han mencionado -, se termina con la pieza dispuesta al final de la exposición, Honorific Waste, 2009 Ed. 1 / 2 + 1AP, impresión Lambda montada en acrílico 120 x 176 cm., ésta obra es una descontextualización de un pensamiento sobre la autocensura extraído de un foro en internet titulado ¿Elogio a la Autocensura?, la posición de quien lo escribió, refleja un espíritu conservador y cauto, adquiriendo en la pieza de Ranc un sentido contradictorio ya que con el aspecto pulido de la impresión adquiere un carácter más autoritario, el cual es subvertido por las grafías que están formadas por pornografía; la versión en español es una traducción libre del francés disponible en www.algerie-dz.com/forums/archive/index.php/t-37526.html. Fotos: Eduardo Egea, salvo Honorific Waste, cortesía galería Nina Menocal.
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